Как разбираться в абстракции и почему беспредметная живопись снова в тренде

Абстрактное искусство — одно из самых загадочных и неоднозначных направлений в истории искусства. Многие зрители, глядя на холст с хаотичными линиями, пятнами и формами, задаются вопросом: «А в чем здесь смысл?», «Почему это считается искусством?» и «Неужели мой ребенок не может также?».

Эти сомнения вполне понятны, ведь абстракция сознательно отказывается от привычного изображения реальности, предлагая вместо этого мир эмоций, ощущений и концепций.

Но, несмотря на свою кажущуюся сложность, абстрактное искусство продолжает вдохновлять зрителей и художников. Оно не просто существует — оно эволюционирует, трансформируется и остается одним из самых востребованных жанров в современном арт-мире.

В этой статье мы разберем, как научиться понимать абстрактное искусство, на что обращать внимание при его восприятии и почему оно остается актуальным сегодня. Вы также узнаете, какие перспективы сегодня открываются перед современными художниками, работающими в абстрактном жанре.

Aбстракцию часто называют изобретением модернистов, и действительно, абстракция получила второе рождение в начале двадцатого века, но тем не менее абстрактное искусство существовало рядом с фигуративным искусством еще во времена палеолита.

На протяжении всей истории фигуративное искусство и абстракция, как правило, чередовались как способы художественного выражения, в зависимости от того, как общество относилось к внешнему миру.

Именно об этом говорил искусствовед Вильгельм Воррингер в своей опубликованной в 1908 году революционной книге «Абстракция и эмпатия: исследование психологии стиля». Ученый стремился выяснить, почему художники определенных культур, например греческой и римской, и определенных периодов, например эпохи Ренессанса, предпочитали фигуративный стиль, в то время как другие — древние шумеры и египтяне, а также те, кто творил во времена Византийской империи и в Средние века, и, конечно же, представители многих первобытных культур — отдавали предпочтение абстракции.

Древние египтяне всю жизнь посвящали строительству собственных гробниц и подготовке к загробной жизни, и древнеегипетские художники, по сути, создавали абстракции больше трех тысяч лет. Древний Египет стал воплощением культуры, сосредоточенной вне реальности, воплощением жизни в постоянной тревоге.

Рассуждая об одержимости египтян загробной жизнью, искусствовед Эрвин Панофский писал: «Если бы мы, не дай бог, были социологами, мы сказали бы, что вся египетская цивилизация была ориентирована на смерть, а не на жизнь. Гораздо лучше этот контраст выразил Диодор Сицилийский: «Египтяне говорят, что их дома — всего лишь гостиницы, а гробницы — их настоящие дома».

Это экзистенциальное чувство смятения вновь вспыхнуло во времена промышленной революции, когда европейские художники-модернисты не создали, а воссоздали абстракционизм.

Реалистичное искусство стремится запечатлеть внешний мир таким, каким он предстает перед нашими глазами. Но как передать то, что невозможно увидеть или потрогать? Как выразить эмоцию, ощущение, внутренний ритм, который живет внутри нас? Здесь на сцену выходит абстракция — язык, который позволяет говорить о невидимом, интуитивном, глубоко личном.

Василий Кандинский – один из первых художников модернизма, который осознанно отказался от изображения предметного мира, чтобы выразить через живопись чистые эмоции, внутренние переживания и духовные концепции. Он верил, что искусство должно действовать не на разум, а на душу, и считал, что цвет, линия и форма могут работать как музыка, вызывая у зрителя определенные чувства без необходимости изображения узнаваемых объектов.

Кандинский часто сравнивал живопись с музыкой. Он считал, что, так же как музыка не требует буквального изображения реальности, искусство тоже может существовать без конкретных форм. В его понимании, цвета и линии в картине подобны нотам в музыкальном произведении: они создают гармонию, напряжение, ритм. Художник даже говорил, что, глядя на определенные цвета, он буквально «слышит» звуки, а формы вызывают у него ощущения, как будто они обладают собственной энергетикой.

Например, он связывал желтый цвет с энергией и беспокойством, синий — с глубиной и духовностью, а красный — с силой и страстью. Его цель заключалась в том, чтобы с помощью этих цветовых и ритмических сочетаний передавать эмоциональные состояния зрителю.

Один из главных мифов об абстрактном искусстве — что его сложно понять. На самом деле, его нужно не столько понимать, сколько чувствовать. Оно не предлагает готового сюжета, не показывает привычные образы, а обращается напрямую к нашим эмоциям, ощущениям и интуиции.

Посмотрите на картины Ротко — большие цветовые плоскости словно дышат, окружая зрителя, погружая его в атмосферу спокойствия или, наоборот, напряжения.

А теперь посмотрите динамичные работы Поллока: разбрызганные потоки краски создают ощущение вихря, движения, энергии.

Глядя на работу художника, мы с радостью узнаем собаку, мать, ребенка, дерево, яблоко и даже плоский красный прямоугольник. Мы не можем не сравнивать то, что предлагает нам художник, с тем, что видим вокруг. Проблема в том, что слишком часто после того, как мы определяем сюжет картины и необычность, красоту или «точность», с которой художник передал этот сюжет, мы останавливаемся.

Художники стремятся выразить и вызвать определенные эмоциональные и когнитивные реакции. Они хотят развить наше воображение. Для этого есть разные способы; например, художники создают формы, цвета и ритмы и играют ими. Художники используют неожиданные аллюзии и аналогии.

Пит Мондриан, один из величайших художников-модернистов, строит композицию «Буги-Вуги на Бродвее» из сотни маленьких прямоугольников, и внезапно мы видим, что абсолютно абстрактные формы могут быть организованы так, что возникают пульсирующие ритмы, безотчетное возбуждение и сложные структуры не только буги-вуги и джаза, но и современного города.

Мы видим, что Мондриан, чьи цветные прямоугольники как будто выдвинуты на нас, при этом парадоксальным образом оставаясь плоскими, — тоже уникальный колорист, хотя его голос и отличается от голосов других художников.

Когда мы смотрим на классическую фигуративную живопись, мы невольно вовлекаемся в её сюжет. Мы видим пейзаж, людей, предметы — и сразу начинаем искать связи, разгадывать историю, угадывать эмоции персонажей. Разум цепляется за знакомые формы, анализируя их.

Но в абстрактном искусстве нет привычных объектов. Здесь нет «сюжета» в привычном смысле, нет необходимости интерпретировать картину через репрезентацию мира. Вместо этого мы смотрим на цвет, текстуру, ритм, пространство, давая себе возможность просто переживать опыт, а не раскладывать его на логические элементы.

Что даёт нам этот опыт?
Во-первых, он освобождает наше восприятие от привычных рамок. Мы перестаём думать «что это значит?» и начинаем спрашивать «что я чувствую?». Это совершенно другой уровень восприятия, более глубинный и непосредственный.

Во-вторых, абстрактное искусство позволяет нам глубже понять саму сущность вещей. Оно не отвлекает нас деталями и частностями, а заставляет сосредоточиться на чистых ощущениях — на том, что стоит за поверхностью привычных образов.

Например, если реалистическая картина показывает конкретную бурю с грозовыми облаками, то абстрактная работа может передать саму энергию этой бури — её мощь, ритм, напряжение — без необходимости изображать тучи и молнии.

В XXI веке абстрактное искусство снова переживает подъём. В современном мире, где мы ежедневно сталкиваемся с огромными потоками информации, абстрактное искусство становится способом отключиться от избыточности смыслов и образов, освободить восприятие от перегруженности и вернуться к чистому переживанию цвета, формы и движения.

Абстрактные работы всё чаще появляются в городском пространстве, в общественных местах, в домашних и офисных интерьерах. Во многих современных интерьерах используется именно абстрактная живопись, поскольку она создаёт эмоциональное, но при этом не перегруженное визуальное пространство.

Переосмысление классической абстракции

Сегодняшняя абстракция не только продолжает традиции прошлого, но и подвергает их критическому анализу. Художники обращаются к наследию Кандинского, Малевича, Ротко, но интерпретируют их идеи в новом контексте.

Джули Мерету — художница, входящая в топ признанных и молодых художниц современности. Её творчество вызывают целый ряд аналогий — от динамизма итальянских футуристов и геометрической абстракции до абстрактных экспрессионистов ХХ века. Художница переосмысляет абстракцию через призму социальных и политических вопросов, сочетая абстрактные формы с элементами архитектурных чертежей и картографии, создавая мощные образы, отражающие темы миграции, глобализации и памяти.

Новая абстракция и тактильность

Параллельно с переосмыслением классической абстракции происходит возрождение интереса к материальности. Художники XXI века активно используют нестандартные материалы: текстиль, стекло, дерево, пластик, а также находят способы сделать абстракцию осязаемой.

Один из самых плодовитых и амбициозных художников современности Стерлинг Руби исследует абстрактное пространство через коллажи и монументальные текстурные полотна.

Новое поколение абстракционистов: эмоции, тело и цвет

Современные абстрактные художники всё чаще рассматривают живопись как поле не только визуального, но и телесного опыта. Картины могут выглядеть динамичными, импульсивными, чувственными — или, наоборот, мягкими, текучими, напоминающими сны и воспоминания. Среди тех, кто формирует сегодняшнее лицо абстрактной живописи, особенно выделяются Жаде Фадожутими и Флора Юхнович.

Жаде Фадожутими — британская художница, чья живопись представляет собой вихрь цветовых пятен, энергичных мазков и слоёв, которые словно перекликаются друг с другом. Её работы полны эмоций, движения и одновременно очень личны: она часто говорит о том, что её картины — это способ осмыслить свою идентичность, воспоминания, опыт взросления.

Её работы можно сравнить с абстрактными композициями Виллема де Кунинга или Ли Краснер, но при этом в них есть очень современная, чувствительная энергия. Они будто захватывают зрителя, заставляя его почувствовать внутренний импульс картины, не пытаясь при этом что-либо «изобразить».

В отличие от яркой экспрессии Фадоджутими, Флора Юхнович создаёт картины, напоминающие растворившиеся в воздухе сюжеты. Её работы вдохновлены эстетикой рококо, но переданы через призму современной абстракции.

Юхнович не копирует классическое искусство, а словно переосмысляет его в абстрактном ключе. Её живопись — это светлые, текучие формы, мягкие градиенты и пастельные оттенки, которые создают ощущение лёгкости, игры, движения.

При этом художница играет с границами узнаваемости: её полотна кажутся распавшимися на цветовые пятна фрагментами классических картин, но в то же время это чистая абстракция, предлагающая зрителю расслабиться и погрузиться в поток цвета и атмосферы.

Абстракция в эпоху цифрового искусства

С появлением цифровых технологий и новых медиа художники получили новые инструменты для работы с абстракцией. Компьютерная графика, алгоритмы, нейросети и виртуальная реальность позволили выйти за рамки традиционного холста. Сегодня художники создают динамичные, интерактивные абстрактные формы, которые изменяются в реальном времени, реагируя на движения зрителя или изменяющиеся данные.

Примером могут быть работы турецко-американского медиа художника Рефика Анадола который использует алгоритмы машинного обучения для создания масштабных цифровых абстракций. Его произведения — это не просто картины, а целые потоки данных, визуализированные в динамических цветах и формах.

Например, в своих работах, как и в примере ниже, художник использует искусственный интеллект для обработки информации из конкретных точек в вестибюлях тех музеев, где экспонируются работы. Это изменения в освещении, движении, акустике и даже перемены погоды за окном. И затем все эти данные формируют постоянную смену визуальных и звуковых эффектов, которые и наблюдают зрители.